Regra de composição

Algumas pinturas, principalmente aquelas dos grandes Mestres da arte como Leonardo da Vinci, Michelangelo e outros, nos deixam fascinados não só pela beleza do desenho, a magia das cores, a variedade de pinceladas, mas porque notamos a aplicação de uma regra  clássica da pintura: “A Lei da Secção de Ouro” A fórmula clássica matemática para a distribuição de peso em uma pintura. 

Retratistas desde o Renascimento adotaram o uso desta fórmula, que também é aplicável a qualquer outro assunto também. 

        Fonte:http://pt.wikipedia.org

 A lei estabelecida pelo antigo arquiteto chamado Vitruvius, afirma: "Para um espaço dividido em partes iguais para ser agradável, a estética entre o menor e a maior parte deve haver a mesma relação entre esta parte maior e todo o espaço." Aplicado a formas e massas, que pode ser simétrica, assimétrica, ou mesmo qualquer coisa que de alguma forma

ainda parece estar em equilíbrio. 

Divisão dourada

 Outra regra similar é a chamada: “Regra dos terços” é uma forma simplificada da lei da secção de ouro. Esta lei proporciona um método tradicional que os artistas utilizam para agrupar os elementos durante a composição.

Consiste em colocar o centro de interesse principal perto das intersecções das linhas verticais e horizontais que dividem em terços a largura e altura do quadro ou plano de trabalho. 

"Paisagem com moinho" 80x100

Dessa maneira o melhor ponto para se colocar um objeto é nas intersecções das linhas já que o centro é considerado como um ponto passivo ou morto… Portanto a melhor localização para o nosso objeto ou conjunto de objetos será estes ponto e nunca no centro. É necessário ficar atento a essas regras para que a composição tenha uma estética visual equilibrada.

Paisagem com homem a cavalo-50x70

WILLIAM ANDREW LOOMIS

A primeira vez que tive contato com os desenhos de William Andrew Loomis, mais conhecido como Andrew Loomis, fiquei realmente impressionado.

Seus desenhos e ilustrações contem riquezas de detalhes, e uma sensibilidade explícita que nos leva a observa-las e admira-las por horas. Como sou um apaixonado pelo desenho e pela pintura, quando estou a admirar seus desenhos e ilustrações, sinto um despertar, uma vontade grande de criar alguns desenhos, então corro para o meu atelier, com os materiais em mãos começo a trabalhar.

 Andrew Loomis é um dos mestres que eu admiro, sua arte me inspira.

Por isso quero compartilhar com vocês.

William Andrew Loomis (1892-1959), Nascido em  Syracuse ,New York.

Foi ilustrador americano, autor e instrutor de arte.

Seu trabalho comercial foi destaque em publicidade e revistas. Foi o primeiro ilustrador comercial dos anos 40 e 50. Responsável por inúmeros anúncios impressos, cartazes e calendários.No entanto por causa  de seus livros de arte que foram impressos ao longo do século 20, foi mais como professor que Loomis ficou conhecido em toda a área artística.

Ele lecionou na Academia Americana de Arte, em Chicago, durante a década de 1930 e foi lá que ele aperfeiçoou as técnicas de ensino que ele codificou em seu primeiro livro, “Diversão com um lápis” em 1939.

Seu Livro se tornou muito popular. Tanto que em 1943 ele havia passado por seis edições. Essa resposta foi suficiente para induzir Loomis para escrever outro livro de instrução daquele ano “Desenho da Figura Para tudo o que vale"

 

Em  1947 lançou"Ilustração criativa " . Esse livro visava o ilustrador profissional. Abordando tópicos como  Linha , Tom e Cor. E também  seções que , ainda é relevante até os dias de hoje .

Em 1951 ele lançou “Desenho de sucesso” com fundamentos mais avançados. Este título foi relançado em uma forma ligeiramente alterada em 1961 como “Desenho tridimensional”.

“Desenhando a cabeça e as mãos” foi o próximo, em 1956. Levou as informações apresentadas no "Divertimento com um lápis" e "Desenho da Figura Por tudo que vale", Expandiu seus conhecimentos esclarecendo os e apresentou em 155 páginas de texto sua nova arte.

“O olho do pintor” (1961) Nesse livro Loomis apresenta os problemas de anatomia, movimento, equilíbrio, expressão técnica, e ele significativamente enfatiza a importância da criatividade e idealismo na obra de cada artista.

Seus ensinamentos influenciaram grandes artistas como Alex Ross, Steve Rude, Steve Lieber e outros.

Loomis  até hoje é reverenciado entre os artistas  por sua maestria de desenho de figura limpo e  realista. 

Novo trabalho em andamento 63x73

Dias atrás quando visitava meus pais,tirei uma foto da minha mãe na cozinha.Já fazia algum tempo que estava com intenção de pintar uma cena do seu dia a dia.Gostei muito da iluminação na Fotografia,Fiz uma mancha de marrom quente,agora começarei a trabalhar as cores.

MESTRE DA PINTURA - RICHARD SCHMID

Quando se trata de pintura, há tantas abordagens diferentes para atingir o resultado final, pois há artistas. Uma abordagem, que é muitas vezes referida como "Alla Prima", é um método de pintura direta em que o artista se esforça para conquistar o seu assunto em uma única sessão de pintura. A restrição do tempo desempenha um papel crucial nesta abordagem exigente. A sessão de pintura é o excesso no final do tempo atribuído e que é deixado sobre a tela é o que resta, a não ser tocado novamente. Uma ênfase na precisão é um elemento fundamental quando se trabalha desta forma. O artista enfoca os aspectos mais importantes de seu tema, a fim de capturar uma imagem convincente. A experiência de trabalhar desta forma é ao mesmo tempo emocionante e desgastante porque tem tudo que você tem, a fim de capturar um momento no tempo. Para aqueles artistas que dominam esta abordagem à pintura, os resultados são de tirar o fôlego. Estes trabalhos revelam não apenas o sujeito artista, mas também a energia e intuição com que levou a criá-los. 
RICHARD SCHMID  é um dos artistas mais conhecidos e respeitados do nosso tempo. Sua obra inspirou toda uma geração de pintores e muitas vezes é o ponto de referência para aqueles que trabalham Alla Prima. Seus quadros foram apresentados em inúmeros museus, galerias, livros, revistas e vídeos ao longo de sua brilhante carreira. Ele teve mais de 51 exposições individuais e recebeu todos os prêmios arte maior nos Estados Unidos. Seus temas incluem retratos, figuras, ainda de vida e paisagens.

 "Eu busco o que eu amo sobre um assunto e tentar transmitir de forma honesta. Como eu cresci como um artista, eu descobri que eu tenho a capacidade de ver mais. Quanto mais eu vejo, mais eu encontrar a pintar, e quanto mais eu gostaria de saber sobre tela. É uma seqüência imparável. "E essa é a aventura."Richard Schmid

1° MOSTRA DE ARTES PLÁSTICAS

NAP promove mostra de Artes Visuais no Garden Shopping Catanduva







O Núcleo de Artes Plásticas promove hoje,segunda-feira ,2 de julho de 2012, a abertura da 1ª Mostra de Artes Plásticas, organizada pelo NAP (Núcleo de Artes Plásticas de Catanduva).
A exposição acontecerá de 2 a 10 de julho, tendo estreia hoje, às 20 horas, no Garden Shopping Catanduva.
Na abertura estão programadas apresentações artísticas com o Grupo de Poesia Guilherme de Almeida, com os poetas Ester dos Anjos e Jonas R. Sanches, Coral Adventus e dança com Bruna Rocha e Aislan Souza.
Ficarão expostas 36 obras, acadêmicas e modernas, de seis artísticas catanduvenses, fundadores do núcleo: Álvaro Jara, Cassiano Pereira, Jaasiel Valzacchi, Jesser Valzacchi, José Reinaldo Mendes e JB. Oliveira.

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detalhe

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CLAUDE MONET Grande pintor impressionista(1840-1926)

A abordagem do mundo por Monet seguia linhas venezianas em vez de florentinas: ele interpretava o mundo através da cor e não do desenho. Seus ancestrais são Ticiano e Claude, e não Michelangelo e Poussin. Como seus predecessores, Monet descobriu que a cor tem suas próprias razões, assim como o desenho, a cor rompe as nítidas exigências da linha. Monet buscava a verdadeira realidade por trás da aparência visual esticando a cor até seu limite e procurando, na própria natureza, aquelas nuanças significantes que expressam a realidade do mundo.

SEGREDOS DOS GRANDES MESTRES #1 / IMPRIMATURA

IMPRIMATURA



A Imprimatura [Campitura]
Imprimatura é o termo clássico para uma camada de cor transparente ou semi-transparente usada para criar uma base tonal para a pintura. Significa literalmente: Aquilo que vem antes.
A Imprimatura age como harmonizadora dos elementos para todas as camadas de cores sucessivas se elas forem dispostas de acordo com as leis da técnica clássica, permitindo que a imprimatura apareça em alguns lugares. Também determina o sombreamento (ou claridade) geral da composição.


A imprimatura é a primeira camada de tinta a óleo da técnica pictórica italiana e flamenga. Geralmente este tom deve ser levemente mais escuro em dois ou três tons, em relação às zonas de luz da pintura. A imprimatura deve ter uma cor neutra de terra ou verde oliva. 
O grau de obscuridade ou leveza da imprimatura deve ser escolhida em relação ao grau de luz que se quer dar ao quadro.


A vantagem da imprimatura sobre uma superfície com tom de gesso é que a base branca reflete a luz através da imprimatura e sobre as camadas semitransparentes seguintes, criando uma mágica ilusão tri-dimensional.

Leonardo da Vinci "A adoração dos magos" 

A cor de uma imprimatura depende da fonte de luz na composição ou do sujeito que você deseja pintar.


Para se obter a cor da imprimatura deve-se misturar as seguintes cores:
- Azul da Prússia, 
- Ocre Amarelo,, 
- Terra de Sombra Queimada, 
- Preto de marfim,
- Branco Chumbo.


Se nós considerarmos uma Sombra Queimada como uma cor neutra para a imprimatura, então você poderá querer ir para cores mais quentes ou frias misturando ou ocre amarelo ou preto em diferentes proporções.


Nunca decida escurecer esta camada selecionando mecanicamente 50% de tons cinzas.
Você sempre pode pôr uma segunda camada ou adicionar tons mais escuros na próxima etapa - no estudo das sombras.


Nesta fase, a mistura dos Médiuns também é bastante importante de ser vista. Trabalharemos sempre com a versão do Médium Clássico Veneziano e uma outra versão modificada usando médium alquídico, que realmente ajuda a secar a camada de um dia para o outro, acelerando o trabalho.
fonte:http://www.alpheratz.org